– foto oleh Charly Ho.

Saat kami melihat sekilas mahakarya Takashi Hara, kami sama sekali tidak berfikir akan Kaligrafi Jepang tradisional, atau Shodo, yang bisa diterjemahkan sebagai salah satu “cara menulis”. Bagaimanapun, karya tersebut tampak serupa seni klasik yang dibuat seniman Jepang berusia 37 tahun yang tampil baik dari esensi maupun eksekusinya, memberi apresiasi lebih pada proses bercerita daripada hasil.

– Around the World, (2020) 200x300cm, Acrylic and charcoal on canvas.

Seperti apa langkah pertama Anda ketika terjun ke industri seni?

Saat berusia 6 tahun, saya sudah yakin bahwa saya akan menjadi seorang seniman di masa depan dan memberi tahu orang tua saya tentang keputusan saya tersebut- mereka sangat kecewa karena saya terus-menerus membuat marah ibu saya dengan mencoret-coret permukaan apa pun yang ada, termasuk di halaman setiap buku yang saya pegang. Satu tahun kemudian pada usia 7 tahun, saya mulai belajar kaligrafi, yang menjadi dasar dari perjalanan artistik saya di masa mendatang. Dua tahun usai sekolah menengah, saya berada di bawah asuhan kaligrafer terkemuka Koshin Soeda. Tidak puas dengan mengasah keterampilan saya dalam satu bentuk seni, saya melanjutkan pendidikan di bidang seni, sehingga memperoleh gelar B.F.A. dalam Seni Rupa (lukisan dan keramik) dari University of Regina di Kanada dan M.F.A. di jurusan keramik dari Arizona State University di Amerika Serikat.

– Beautiful Scar, (2020) 115x140cm, Acrylic and charcoal on canvas.

Kaligrafi tradisional merupakan bentuk awal seni yang diajarkan kepada Anda, tapi elemen visual dari karya Anda justru tidak mencerminkan hal itu; Jadi, bagaimana arah artistik dari gaya lukisan Anda?

Saya tidak akan mengatakan lebih jauh bahwa karya saya tidak sesuai dengan pengetahuan yang saya peroleh di Shodo. Meskipun karya saya tidak terlihat kaligrafi, mereka masih merupakan penyaturan dari gaya, sapuan kuas, perpaduan tekstur yang disengaja dan tidak disengaja, dan yang terpenting, teks. Seniman seperti CY Twombly, Robert Rauschenberg, dan Willem de Kooning adalah referensi saya dalam hal mengadopsi gaya ekspresionisme saya, dan lukisan bidang warna Mark Rothko adalah inspirasi untuk aplikasi warna saya. Sejak saya memutuskan untuk keluar dari tabiat saya dalam seni, warna adalah yang membedakan gaya saya dari Shodo, masa kini dari masa lalu. Beberapa karya saya disajikan dengan warna dan sapuan kuas sebagai subjek itu sendiri, bukan bentuk figuratif. Saya sangat menyukai warna cerah yang dapat muncul dalam karya saya. Juga, tugas saya di banyak negara telah mengajari saya bahwa tetap berada dalam premis satu gaya seni tidak akan membawa saya lebih jauh dalam karir, jadi saya mulai mengeksplorasi cara dan media lain, seperti kuas cat yang ditinggalkan dan mengoleskan pigmen dari jari-jari saya, untuk menjaga agar bentuk seni saya tetap eklektik dan relevan dengan lanskap masyarakat yang selalu berubah saat ini. Saya akan mengatakan bahwa gaya saya ditempa dan bergerak seperti yang oleh orang Prancis disebut sebagai “Seni Punk dan Zen”.

– Social Survivor, (2020) 29x21cm, Acrylic and ink on kozo paper.

Boleh tahu ide di balik karya seni Anda?

Shodo bangga akan fokusnya pada introspeksi hubungan pikiran-tubuh di setiap individu; sementara pendekatan saya dalam seni kurang lebih sama dengan memberi perhatian pada apa yang ada di luar diri dan diperluas ke konstruksi sosial dalam hubungan yang lebih personal-sosial. Di Jepang tempat saya tinggal saat ini, komunitas di sini berfungsi sangat baik dengan mentalitas kawanan. Sebagai seniman yang pernah tinggal dan bersekolah di luar negeri, saya sekarang menghadapi tingkat pengucilan tertentu oleh komunitas kreatif karena saya bukan bagian dari kelompok alumni universitas lokal maupun klan seni. Meski tampak merugikan bagi saya, saya memutuskan untuk menggunakannya sebagai kerangka kerja seni saya dan menjelaskan masalah yang melanda masyarakat. Di atas semua itu, seniman di Jepang tidak seterkenal orang-orang seperti selebriti yang muncul di televisi – seniman kontemporer terlalu tabah jika dibanding-bandingkan. Karena itu, saya mulai merangkul identitas saya sebagai non-konformis yang eksklusif atas hak saya sendiri. Saya mengadopsi berbagai citra sebagai alegori untuk masalah ini dengan cara yang sama ketika Aesop menggunakan hewan dalam fabelnya untuk mencakup tema agama, sosial, dan politik. Seperti pepatah Jepang yang mengatakan, “Paku yang menonjol akan dipalu,” dan saya bertujuan untuk menjadi paku yang membuat penyok di palu.

– Raging Ladybugs, (2020) 140x162cm, Acrylic and charcoal on canvas.

Apa pencapaian pribadi yang telah Anda raih, dan apa langkah selanjutnya dalam karier kreatif Anda?

Sejak 2004, saya menganggap diri saya sebagai seniman internasional yang karyanya sebagian besar dipamerkan di Kanada dan Amerika Serikat dengan lebih banyak pameran tunggal di beberapa bagian Asia dan Eropa. Karena kehadiran di ajang internasional tersebut, saya berhasil mendapatkan beberapa kolektor dan bekerja sama dengan galeri seperti Galeri Seni A2Z. Saya harus mengatakan bahwa prestasi saya sebagai seniman harus dikreditkan kepada seniman keramik Kanada yang terkenal, Victor Cicansky. Ketika saya berada di Kanada, saya menjadi murid terakhir dan asistennya selama dua setengah tahun, yang mana saya mendapat banyak manfaat melalui bimbingannya tentang praktik artistik profesional.

Saya memiliki beberapa pameran yang direncanakan untuk tahun depan, termasuk pameran tunggal saya berikutnya yang dijadwalkan diadakan di Paris, tetapi semua akan tergantung pada status pandemi ini. Salah satu tema saya yang lebih umum yang sedang saya kerjakan adalah simbolisme babi sebagai elemen penting dalam komentar saya tentang masyarakat manipulatif. Saya akan mengembangkan dan mengeksplorasi ide ini dalam karya saya untuk pameran saya yang akan datang.

– Around the World, (2020) 200x300cm, Acrylic and charcoal on canvas.

Bagi mereka yang ingin menjelajahi dongeng Takashi Hara yang menakjubkan, kunjungi https://www.takashihara.com/index.html atau halaman Instagram-nya, @art_x_tak.